Бесплатный фрагмент - Фантазия без границ. Выпуск 4

ВВЕДЕНИЕ

Перед вами четвёртый выпуск сборника «ФАНТАЗИЯ БЕЗ ГРАНИЦ» — книги, в которой современное искусство раскрывается во всём богатстве своих интонаций, образов и внутренних миров. Это издание объединяет художников, столь непохожих по стилю, пластике, технике и мироощущению, но связанных одной важной общей чертой: стремлением говорить с зрителем искренне, смело и свободно.

Название сборника не случайно. Фантазия здесь понимается не как уход от реальности, а как особая форма её постижения. Именно воображение позволяет художнику увидеть за видимым — скрытое, за внешним — внутреннее, за частным — универсальное. В искусстве нет жёстких границ между сном и памятью, между мифом и повседневностью, между переживанием и образом. Всё это находит своё отражение в произведениях, вошедших в данный выпуск.

На страницах книги встречаются разные художественные миры. Здесь есть лирика акварельного пейзажа и напряжённая энергия экспрессивной живописи, мифологические и символические композиции, психологические портреты, сцены человеческой близости, деревенские мотивы, философские размышления о внутреннем состоянии человека. Одни работы обращены к памяти, корням, культурной традиции. Другие — к личному переживанию, к боли, уязвимости, надежде, любви, свету. Третьи создают самостоятельные пространства воображения, где рождаются новые формы, новые смыслы и новые способы видеть мир.

Особую ценность сборнику придаёт именно это многообразие. В одном издании сосуществуют разные художественные языки, и каждый из них по-своему убедителен. Одни авторы работают в реалистической манере, другие — в декоративной, символической или экспрессивной. Кто-то ищет гармонию в природе, кто-то — в мифе, кто-то — в человеческом лице, а кто-то — в внутреннем надломе и преображении. Но все они создают единое пространство живого искусства, в котором нет случайных тем и второстепенных интонаций.

Этот выпуск — не только собрание произведений, но и своеобразный диалог. Диалог художников между собой. Диалог искусства с культурной памятью. Диалог автора и зрителя. И, возможно, самое важное — диалог человека с самим собой. Потому что подлинное искусство всегда говорит не только о внешнем мире, но и о том, что происходит внутри нас: о наших страхах и мечтах, о памяти и надежде, о хрупкости и силе, о поиске смысла и жажде красоты.

Сборник «ФАНТАЗИЯ БЕЗ ГРАНИЦ. ВЫПУСК 4» адресован всем, кто ценит современное искусство, любит открывать новые имена, всматриваться в художественный образ и чувствовать за ним живую человеческую мысль. Эта книга может стать и каталогом, и путеводителем, и пространством вдохновения — изданием, к которому хочется возвращаться снова, чтобы каждый раз замечать новые детали, новые акценты, новые смыслы.

Пусть это путешествие по страницам книги станет для читателя встречей с искусством без страха перед различием, без предубеждений перед непривычной формой, без стремления всё сразу объяснить. Иногда произведение важно не только понять, но и почувствовать. Именно с этого чувства и начинается настоящее соприкосновение с художественным миром.

Добро пожаловать в пространство, где нет жёстких границ между стилями, эпохами, состояниями и образами. Добро пожаловать в мир фантазии без границ.

АЛЕКСАНДР БОРИСОВИЧ УГЛАНОВ

Александр Борисович Угланов — российский художник, родившийся в 1960 году в Твери. С ранних лет его окружала творческая среда, что во многом предопределило выбор жизненного пути и будущую связь с искусством. Интерес к художественному образу, к выразительности формы и к духовной стороне творчества сформировался у него ещё в юности и со временем стал основой всей дальнейшей профессиональной деятельности.

После окончания школы Александр Угланов поступил в Тверское художественное училище имени А. Г. Венецианова. Учёба в этом известном учебном заведении стала для него важнейшим этапом становления, дав фундаментальные профессиональные знания и навыки, необходимые для дальнейшей самостоятельной художественной практики. Именно здесь были заложены основы его мастерства, выработано серьёзное отношение к рисунку, композиции и пластике изображения.

По окончании училища Александр Борисович начал работать в рекламной сфере. Этот этап стал полезным с точки зрения практического освоения законов визуального восприятия, композиционной выразительности и умения создавать ёмкий, запоминающийся образ. Работа в рекламе развила у художника точность в построении художественного пространства и внимание к тому, как изображение воздействует на зрителя. Позднее он перешёл в Театр народного творчества, где занимался оформлением спектаклей. Театральная работа дала ему новый опыт — ощущение сценического пространства, декоративности, символической насыщенности образа и взаимодействия художественной формы с драматургией.

Параллельно с основной профессиональной деятельностью Александр Угланов много времени уделял графике. Именно в графических работах особенно ясно проявились его склонность к образному мышлению, интерес к мифологическому и символическому началу, стремление к созданию многослойного художественного мира. Однако со временем художник пришёл к пониманию, что графическому изображению в его внутреннем художественном замысле становится тесно без цвета. Потребность в более полном эмоциональном и символическом выражении подтолкнула его к обращению к живописи. Этот переход стал не просто сменой техники, а важным поворотом всего творческого пути: живопись позволила ему раскрыть собственную образную систему значительно шире и глубже.

Участие в выставках сыграло значительную роль в развитии художника. Выставочная практика стала важным этапом в его биографии, помогла ему укрепить индивидуальную манеру, расширить круг зрителей и утвердиться как самобытному мастеру. Среди выставок, в которых принимал участие Александр Угланов, — выставка в Твери в 1998 году, выставка в Оснабрюке (Германия) в 1999 году, экспозиция в Центральном Доме художника в Москве в 2001 году, выставки в Афинах, Салониках и Верии в Греции в 2004 и 2005 годах. В 2008–2009 годах его работы были представлены в московском Музее имени Константина Васильева, а в 2009 году в Твери состоялась персональная выставка художника. В том же году он участвовал в выставках «Землячества» и «Славянские видения» в Музее Москвы. В 2010 году его творчество было представлено в библиотеке имени Герцена в Твери, в Школе искусств имени Балакирева в Москве и в Новом Манеже. В 2013 году его работы экспонировались в Витебском художественном музее в Беларуси, в 2014 году — в музее «Левша» в Санкт-Петербурге, Волоколамском кремле и на персональной выставке в музее Салтыкова-Щедрина в Твери. В 2015 и 2016 годах он участвовал в проектах в лофте «Этажи» в Санкт-Петербурге, в 2018 году — в галерее «Славное место» в Санкт-Петербурге, в 2022 году — в Музее Константина Васильева в Казани, в 2023 году — в Волоколамском кремле и на презентации картины «Хранительница Мира» в Твери, а в 2025 году — в Центре современного искусства в Чебоксарах.

Творческий путь Александра Борисовича Угланова связан с постоянным внутренним развитием, поиском художественной глубины и стремлением к образам, в которых соединяются пластическая выразительность, духовный смысл и культурная память. Его биография — это путь художника, для которого искусство стало не только профессией, но и формой мировоззрения. Жизнь и творчество мастера продолжают развиваться, а сам он с благодарностью относится к тем возможностям, которые открывались перед ним на протяжении его пути.

ГЕННАДИЙ КОНСТАНТИНОВИЧ КОМАРОВ

Геннадий Константинович Комаров родился 8 ноября 1943 года в деревне Горнево Вачского района Горьковской области. Его детство пришлось на тяжёлые послевоенные годы: отец умер в марте 1945 года, и мать осталась одна с семью детьми, из которых Геннадий был младшим. Эти ранние обстоятельства жизни во многом сформировали его характер, внутреннюю стойкость и особую чуткость к простому человеческому быту, к родной земле и к тем тихим образам природы, которые позднее заняли важное место в его творчестве.

Интерес к рисованию проявился у него с детства. Первым профессиональным наставником художника стал Михаил Григорьевич Копченов, преподаватель изостудии при районном Доме культуры в городе Навашино. Именно он привил Комарову любовь к масляной живописи и первым рекомендовал его этюды на районную выставку. Этот ранний опыт стал для будущего художника важнейшей точкой опоры, подтвердив серьёзность его художественных способностей и укрепив стремление к творческому пути.

После службы в армии Геннадий Константинович работал учителем рисования и черчения в школе, затем художником-оформителем, начальником конструкторского бюро и заместителем главного архитектора крупного оборонного предприятия. Уже в этот период он активно участвовал в городских и областных выставках, а его наставниками были члены Союза художников А. В. Морозов и М. К. Левин. В то время председателем областного Союза художников был Ким Бритов, что также свидетельствует о серьёзной художественной среде, в которой формировался автор.

В 1971 году Комаров окончил Муромский филиал Московского машиностроительного института по специальности «конструирование радиоаппаратуры». Однако стремление к профессиональному художественному образованию не оставляло его. Он отправился в Москву и успешно сдал экзамены в Строгановское училище на отделение живописи, но в приёме ему было отказано по формальным причинам: возраст и уже полученное высшее образование. Позднее он вновь пытался поступить в Строгановку, уже на вечернее отделение дизайна, однако и эта попытка не увенчалась успехом. Несмотря на это, художник не оставил творческого пути и продолжил развиваться самостоятельно.

В Москве его профессиональная судьба сложилась иначе: он оказался связан с системой внутренних дел, где работал инженером, а затем сделал серьёзную карьеру, став офицером и впоследствии начальником одного из главков Министерства внутренних дел. Параллельно с этим он продолжал заниматься искусством. После получения офицерского звания поступил в изокружок при студии имени М. Б. Грекова, где в течение четырёх лет совершенствовал мастерство, работал с натурой, изучал рисунок, гипсы, натюрморты и человеческую фигуру. Не имея возможности получить высшее художественное образование, он избрал путь глубокого самообразования: собирал библиотеку по искусству, изучал различные школы живописи, копировал произведения великих мастеров, писал портреты любимых художников.

Геннадий Константинович принимал участие в выставках разного уровня — от областных и республиканских до всесоюзной выставки в Манеже. Его работы экспонировались в библиотеках, домах культуры, на различных художественных площадках. Он писал пейзажи Химок, так называемую «Куркинскую Швейцарию», а позднее, переехав в Москву, обращался к видам Коломенского и Москвы-реки. Несмотря на напряжённую государственную службу и участие в решении сложных задач, связанных с политическими событиями в стране, мысль о живописи и собственной мастерской оставалась для него главной внутренней опорой.

Выйдя в отставку в звании полковника, Комаров смог в большей степени посвятить себя искусству. Однако и после этого ему пришлось много работать в сфере проектирования и строительства объектов ПАО МТС. Лишь приобретение собственной мастерской открыло новый период более свободного и интенсивного творчества. Этот этап стал временем нового художественного подъёма. В марте 2017 года состоялась его персональная выставка на малой родине — в Муромской православной гимназии имени Ильи Муромца. В октябре 2024 года по просьбе руководства гимназии там же была вновь представлена выставка его работ последнего периода. С 2024 года Геннадий Константинович Комаров является членом Евразийского художественного союза. Он также участвует во многих российских и международных выставках. Помимо живописи, является автором двух изданных книг: «Письмо внуку» (2010) и «Моя любовница» (2019). Награждён правительственными наградами СССР, России и ряда зарубежных государств, имеет звание «Почётный радист СССР».

ТАТЬЯНА КАРСАКОВА

Татьяна Карсакова, работающая под творческим именем Fleksy, — современный художник-визионер и создатель авторского направления LumiFlux Art, в котором живопись соединяется с философией света, внутренней трансформации и многослойного восприятия мира. Её художественная практика строится на стремлении показать не только внешний образ, но и скрытые энергетические состояния, внутренние процессы и глубинные уровни реальности, которые, по замыслу автора, присутствуют за пределами привычного зрительного опыта.

В основе творческого метода Татьяны Карсаковой лежит многолетний личный путь исследования тонких состояний, внутренней энергии и духовных практик. Этот опыт насчитывает около сорока лет и стал важной частью её мировоззрения, а затем и художественного языка. Для автора живопись является не только визуальным искусством, но и особой формой проводимости: способом передать переживание, энергию, внутреннее знание и состояние трансформации через образ, цвет и свет. Именно поэтому её произведения часто воспринимаются не как статичные картины, а как своеобразные медитативные пространства, раскрывающиеся в процессе созерцания.

Одной из ключевых особенностей творчества Татьяны Карсаковой становится работа со светом как с самостоятельным художественным материалом. Основу её произведений составляют акрил и специальные флуоресцентные пигменты, благодаря которым изображение способно меняться в зависимости от освещения. При дневном или галерейном свете зритель видит одну версию произведения, в ультрафиолетовом свете — другую, а в условиях темноты или послесвечения — ещё один, скрытый слой образа. Такой подход превращает картину в многомерный объект восприятия, где художественная форма существует не в одном состоянии, а в нескольких последовательных проявлениях. Это свойство делает произведения Татьяны Карсаковой особенно узнаваемыми и выделяет их в пространстве современного искусства.

Направление LumiFlux Art, созданное художницей, строится именно на этой идее текучести и изменчивости образа. В нём соединяются живописная пластика, светоносная материальность и философия внутреннего движения. Свет в её работах не просто подчёркивает форму, а становится носителем смысла: он открывает невидимое, проявляет скрытое, переводит переживание из одного состояния в другое. Тем самым художественное произведение становится не только визуальным объектом, но и опытом, который зритель проживает во времени.

Творческий путь Татьяны Карсаковой отмечен участием в общероссийских и международных выставочных проектах. Её произведения получили признание на профессиональных площадках, а сама художница удостоена званий лауреата различных степеней, что подтверждает высокую оценку её авторского метода и художественного языка. Особое значение имеет участие в международных художественных проектах, включая World Art Dubai, где её творчество было представлено в контексте актуального мирового искусства. Это участие подчёркивает универсальность её художественного высказывания и способность говорить со зрителем на языке, понятном за пределами одной культурной среды.

Картины Татьяны Карсаковой обращены к темам сакрального единства, внутреннего пробуждения, боли и исцеления, памяти состояния, личной и духовной трансформации. Каждое произведение становится своеобразным порталом, в котором соединяются визуальный образ, эмоциональный опыт и философская глубина. Её работы не стремятся к иллюстративности или буквальному повествованию: они создают пространство переживания, в котором зритель может не только рассматривать форму, но и чувствовать её внутреннюю вибрацию.

Таким образом, Татьяна Карсакова занимает особое место среди современных художников, работающих на стыке живописи, света и философии восприятия. Её искусство соединяет техническую изобретательность, авторскую систему образов и глубокую внутреннюю мотивацию, превращая каждую работу в самостоятельный опыт созерцания, медитации и внутреннего диалога.

АЛЕКСАНДРА СТАРИКОВА

Александра Александровна Старикова — современная художница, родившаяся в 2003 году в Донецке. Её биография с самого начала складывалась в непростых обстоятельствах, что во многом определило глубину и напряжённость её художественного мировосприятия. Уже в детстве она ощущала себя отличной от окружающих, существующей как будто в иной системе чувств и восприятия. Активная, но внутренне отстранённая, она рано погрузилась в мир книг, фантазий и внутренних образов, который постепенно стал для неё не просто убежищем, но и пространством будущего творчества. Общение со сверстниками складывалось трудно, нередко оборачивалось конфликтами и усиливало чувство одиночества. Это ощущение внутренней инаковости стало одной из ключевых линий её личной истории и позднее нашло отражение в художественном языке.

Детство Александры проходило в условиях домашнего воспитания и обучения в частных школах. Её внутренний мир с ранних лет был насыщен яркими и подчас тревожными образами, которые воспринимались ею особенно остро. Воображение, сложные эмоциональные состояния, склонность к глубокому переживанию и одновременно трудность в открытом выражении чувств сформировали тот внутренний опыт, который позднее стал основой её искусства. Уже в подростковом возрасте она столкнулась с тяжёлыми психологическими испытаниями, а также с непростыми отношениями с собственным телом и восприятием себя. Всё это делало её внутреннюю жизнь предельно насыщенной и драматичной.

События 2014 года изменили её судьбу: вместе с матерью Александра переехала в Ригу. Переезд стал не только жизненным переломом, но и важным этапом художественного становления. Именно в Риге её тяга к искусству впервые получила системную форму. Александра обучалась в художественной школе Мары Муижниецы, а также занималась в частной студии Олега Дзюбенко. Эти занятия стали для неё важным профессиональным опытом, позволили почувствовать рисунок, форму, живописную поверхность и научили воспринимать творчество как серьёзный путь, а не только как внутреннюю необходимость. Однако параллельно с этим шёл сложный и болезненный внутренний процесс, который сопровождался тяжёлыми переживаниями, поиском опоры и борьбой за душевное равновесие.

Позднее Александра переехала в Москву. Этот этап жизни был связан с глубоким личным кризисом, но одновременно и с новым поиском себя. Внутренние переживания приобретали всё более масштабный характер, а искусство становилось то недосягаемой мечтой, то единственным способом удержаться в жизни. Особую роль в её судьбе сыграло то, что она сама называет возвращением к самому дорогому — к рисованию. После периода тяжёлого отчуждения от творчества, когда оно казалось неотделимым от боли прошлого, Александра вновь взяла в руки кисть. Этот возврат стал не просто восстановлением утраченного навыка, а настоящим внутренним прорывом. Художница признаёт, что почти поставила крест на своём творчестве, однако именно живопись вновь стала для неё способом говорить о том, что невозможно выразить словами.

Фраза Александры Стариковой «На всех моих картинах — я сама» становится ключом к пониманию её искусства. Её произведения не являются иллюстрацией внешнего мира в привычном смысле. Это предельно личные, эмоционально насыщенные и внутренне честные художественные высказывания, в которых образ становится формой исповеди, сопротивления забвению, попыткой вынести наружу то, что обычно остаётся скрытым. Её живопись строится на напряжённой пластике формы, деформации, экспрессии, внутреннем конфликте, символике уязвимости и боли. В центре её художественного мира — человек, но не как социальный тип или портретная модель, а как носитель предельного внутреннего опыта.

При этом биография художницы — это не только история испытаний, но и история силы. В её жизни были и яркие победы, в том числе периоды внутренней устойчивости, серьёзные спортивные достижения и звание мастера спорта по пауэрлифтингу. Александра увлекалась спортивной стрельбой, что также говорит о большой внутренней собранности и способности преодолевать себя. Эти качества — воля, выдержка, способность к концентрации — находят отражение и в её творчестве, где предельная эмоциональность сочетается с настойчивым стремлением к форме.

Сегодня Александра Старикова продолжает свой путь в искусстве, живёт в поддерживающем и тёплом человеческом окружении и ежедневно ведёт внутренний диалог с холстом. Её художественная практика — это не просто самовыражение, а способ существования, способ удержать и преобразовать внутренний опыт в образ. Живопись для неё становится территорией выживания, памяти, вызова и поиска света. Именно поэтому её произведения воспринимаются так остро: в них заключена не отвлечённая идея, а прожитая реальность, превращённая в мощный художественный жест.

ГАВРИЛ ИВАНОВИЧ ПРИБЫТКОВ

Гаврил Иванович Прибытков (1933–2013) — российский художник, учёный, педагог, исследователь культуры и искусства, родившийся в селе Новиково Бийского района Алтайского края. Его жизненный путь соединил в себе редкое для отечественной культуры сочетание художественного творчества, научной деятельности и подлинного служения просвещению. Он был кандидатом философских наук, профессором, академиком Международной академии наук педагогического образования, лауреатом премий Алтайского края в области науки и техники, членом Союза художников Российской Федерации.

Детство Гаврила Ивановича проходило в непростых условиях. Его родители были простыми школьными работниками: мать занималась тяжёлым хозяйственным трудом, отец, умерший в 1940 году, работал с лошадьми и обеспечивал хозяйственные нужды школы. С ранних лет будущий художник оказался тесно связан с крестьянским и школьным бытом, с живой природой Алтая, с тяжёлым, но цельным укладом жизни. Именно этот ранний опыт, наполненный наблюдением за землёй, трудом, сменой времён года и красотой сельского мира, во многом определил и его человеческий характер, и художественное мировосприятие.

В школьные годы у него рано проявились музыкальные и художественные способности. Уже в детстве окружающие отмечали его слух, голос и тяготение к творчеству. Однако возможность полноценно заниматься рисованием появилась не сразу: в военные годы не хватало самых простых материалов. Тем важнее для него были первые подаренные краски, альбом и карандаши, к которым он относился с большой бережностью. В педагогическом училище судьба свела его с учеником знаменитого алтайского мастера Григория Чорос-Гуркина — одним из первых членов Союза художников СССР в Алтайском крае. Этот педагог на долгие годы стал его главным наставником в постижении изобразительного искусства.

В 1952 году Прибытков окончил Бийское педагогическое училище, а в 1958 году — отделение журналистики Уральского государственного университета. Работал учителем пения и рисования, заведующим отделом культуры газеты «Бийский рабочий», а с 1960 года его жизнь на долгие годы оказалась связана с Бийским государственным педагогическим институтом имени В. М. Шукшина. Здесь он прошёл путь от ассистента и старшего преподавателя до профессора, заведующего кафедрами философии, эстетики, мировой и отечественной культуры, декана факультетов, проректора по учебной работе и ректора института. Как учёный он занимался вопросами эстетики, культуры, искусства и педагогики, стал автором 14 книг и около 150 научных статей. Его имя было включено в энциклопедию «Лучшие люди России».

При всей масштабности научной и педагогической карьеры живопись оставалась его постоянным и глубоко личным призванием. Гаврил Иванович был убеждённым сторонником художественного образования и активным пропагандистом искусства. Он много лет изучал жизнь и творчество Г. И. Чорос-Гуркина, исследовал архивные материалы, писал о художниках Алтая и считал важным сохранять и осмыслять культурное наследие родного края. Одновременно он не прекращал собственную художественную практику, последовательно развивая себя как живописца.

На протяжении десятилетий Прибытков участвовал во всех городских и во многих краевых художественных выставках, начиная с 1959 года. Им было проведено семь персональных выставок в Бийском городском выставочном зале, несколько выставок в Горно-Алтайске, в Государственном музее истории, литературы и культуры Алтая, в музее Алтайского государственного университета и на многих других площадках. За участие во Всесоюзном смотре народного творчества в Москве в 1985 году, посвящённом сорокалетию Победы, он был удостоен звания лауреата. Более шестидесяти его живописных работ находятся в государственных музеях страны, а также в частных галереях и коллекциях в России и за рубежом.

Самой характерной чертой творчества Гаврила Ивановича считается удивительно органичное соединение искренней, почти любительской в лучшем смысле слова любви к природе с высоким уровнем живописного мастерства. Он писал только с натуры, следуя заветам старых мастеров и собственных учителей. Главной темой его искусства стала природа родной земли: улицы Бийска, разливы Бии и Катуни, алтайские дороги, деревушки на берегах тихих рек, меняющееся освещение, переходные состояния природы. Его произведения наполнены радостью созерцания, душевным подъёмом и чувством глубокого единства человека с окружающим миром.

Гаврил Иванович Прибытков ушёл из жизни, оставив после себя значительное художественное, научное и педагогическое наследие. Его биография — пример редкой цельности, когда любовь к знанию, культуре, природе и живописи складывается в единую судьбу, посвящённую служению искусству и просвещению.

НАТАЛЬЯ ЮРЬЕВНА БУРЛАКОВА

Наталья Юрьевна Бурлакова — нанайская мастерица, художник декоративно-прикладного искусства, представительница древнего нанайского рода Самар. Её творчество связано с сохранением и развитием национальных художественных традиций, а сама она известна как автор работ, в которых народная память, этнические мотивы и личный художественный опыт соединяются в цельный и самобытный образный мир. В её творческой практике особое место занимают национальный костюм, вышивка, декоративные панно, предметы быта и произведения, созданные с использованием бересты и других традиционных материалов.

Наталья Юрьевна родилась 14 мая 1979 года в деревне Циммермановка. С этим местом связаны её детство, ранние впечатления и формирование внутренней связи с родной землёй, традицией и культурной средой. До 2008 года она жила в Циммермановке, где сохранялась особая атмосфера преемственности поколений и уважения к национальным обычаям. Именно в таких условиях закладывались её представления о красоте, о значении ручного труда, о ценности предметов, созданных своими руками, и о роли декоративного искусства в жизни народа.

После окончания десяти классов, в 1995 году, Наталья Бурлакова поступила в ПОНС — Подготовительное отделение народов Севера. Этот этап она вспоминает как особенно светлый и значимый в своей жизни. По её словам, обучение в ПОНСе воспринималось как время большой дружбы, сплочённости и поддержки, когда студенты жили как одна семья. Этот опыт стал важным не только в образовательном, но и в человеческом смысле, укрепив чувство общности и внутренней опоры.

С 1996 по 2001 год Наталья Юрьевна обучалась в Дальневосточном государственном медицинском университете. Получение высшего образования стало важным этапом её жизненного становления и свидетельством стремления к профессиональному развитию. Однако её биография не ограничивается одной сферой деятельности. В дальнейшем Наталья Бурлакова прошла большой и во многом необычный профессиональный путь, в котором сочетаются гуманитарные, технические и производственные направления.

С 2001 года более десяти лет она работала в строительной отрасли на линейных должностях. Этот период дал ей большой практический опыт, требовал организованности, дисциплины, ответственности и умения принимать решения. В разные годы Наталья Юрьевна занимала руководящие посты, в том числе работала начальником ОПС и начальником КЭС войсковой части 30593. Позднее, начиная с 2010 года, она продолжила обучение по специальности «Строительство зданий и сооружений», а в 2012 году стала генеральным директором ООО «Строй Проект». Эти этапы биографии показывают её как человека сильного характера, способного реализовывать себя в самых разных профессиональных областях.

С 2016 года Наталья Бурлакова работает в горнорудных компаниях, где занимала должности раздатчика взрывчатых материалов и заведующей складом взрывчатых материалов. В 2021 году она окончила Тихоокеанский государственный университет в Хабаровске по специальности «Горное дело» и получила квалификацию горного инженера по буровзрывным работам. Такой путь особенно примечателен тем, что сочетается с её постоянной преданностью национальному декоративно-прикладному искусству. Творчество в её жизни не вытесняется трудной профессиональной практикой, а, напротив, сосуществует с ней, становясь важной частью внутреннего равновесия и культурного самоопределения.

Как мастерица Наталья Юрьевна работает в разных направлениях декоративно-прикладного искусства. Она шьёт национальную нанайскую мужскую и женскую одежду, вышивает ковры с этническими мотивами, создаёт художественные панно и предметы быта из бересты. Её произведения основаны на уважении к народной традиции и одновременно несут в себе индивидуальную авторскую интонацию. Для неё декоративное искусство — это не только ремесло и не только эстетическая практика, но и способ сохранения культурной памяти, выражения родовой принадлежности и продолжения художественного наследия предков.

В её творчестве важную роль играют близкие и родственники, которые помогают мастерице в создании предметов декоративно-прикладного искусства. Это семейное участие подчёркивает, что для Натальи Бурлаковой искусство существует не изолированно, а в живой среде общения, поддержки и преемственности. Такая связь с семьёй и родом делает её работы особенно значимыми: за ними стоит не только личный труд, но и коллективная память, уважение к традиции, ощущение неразрывности культурной линии.

Биография Натальи Юрьевны Бурлаковой — это пример редкого соединения силы, трудолюбия, профессиональной многогранности и верности художественным истокам. Она принадлежит к числу мастеров, для которых декоративно-прикладное творчество становится формой сохранения национальной идентичности и способом говорить о красоте своего народа через ткань, орнамент, вышивку, фактуру и образ. Её жизненный путь свидетельствует о глубокой внутренней устойчивости, уважении к корням и стремлении продолжать культурную традицию в современном мире.

ЕКАТЕРИНА ДЕРУН

Екатерина Дерун — современная российская художница, родившаяся в 1966 году в Свердловске, ныне Екатеринбурге. Её творческая биография неразрывно связана с этим городом, его архитектурой, художественной средой и культурной атмосферой. Именно Екатеринбург стал для неё не только местом жизни, но и важнейшим источником визуальных впечатлений, тем и образов, которые в дальнейшем определили характер её искусства.

Художественное образование Екатерина Дерун получила в Свердловском архитектурном институте, ныне Уральском государственном архитектурно-художественном университете. Обучение в этом учебном заведении сыграло важную роль в формировании её художественного мышления. Архитектурная школа дала ей чувство конструкции, точность в работе с формой, внимание к пространству и умение воспринимать изображение как организованную систему линий, плоскостей и ритмов. Эти качества впоследствии стали одной из ключевых особенностей её авторской манеры.

В выставочную жизнь художница вошла достаточно рано. Её первая выставка состоялась в 1987 году и была связана с известным в своё время проектом «Сурикова, 31», который вызвал заметный общественный интерес. Уже этот ранний выход в художественное пространство показал, что перед зрителем автор с ярко выраженным индивидуальным языком и собственным взглядом на современную живопись. Первая персональная выставка Екатерины Дерун состоялась в 1992 году. С тех пор она стала активной участницей художественной жизни Екатеринбурга, приняв участие в нескольких десятках коллективных проектов. Всего на различных площадках города прошло двадцать три её персональные выставки, что свидетельствует о значительном и устойчивом месте художницы в региональном художественном процессе.

Работы Екатерины Дерун находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. Этот факт говорит не только о востребованности её живописи, но и о том, что её художественный язык оказывается понятным и убедительным для самых разных зрителей. Интерес к её творчеству проявляют не только профессионалы арт-среды — критики, галеристы, кураторы, — но и постоянные посетители выставок, а также случайные зрители, которые останавливаются перед её картинами благодаря их выразительности, ясности формы и особой внутренней энергии.

Свой стиль Екатерина Дерун определяет как конструкционализм. Это авторское обозначение точно отражает суть её художественного метода. В её работах чувствуется мастерское и в то же время ироничное преломление приёмов русского авангарда 1920-х годов. Её живопись можно также отнести к неокубизму, однако собственное определение художницы позволяет точнее уловить сочетание конструктивного мышления, пластической собранности и современного переосмысления художественной традиции. Для её произведений характерны чёткость линий, ясность композиции и чистота цвета. При этом в них присутствует удивительно тонкая живописность: строгая геометрия форм сочетается с почти акварельной мягкостью лессировок, что придаёт её работам одновременно структурность и воздушность.

Тематический круг творчества Екатерины Дерун достаточно широк. Она работает в жанрах натюрморта, портрета, анималистики, однако особое место в её искусстве занимает городской пейзаж. Именно в изображении архитектуры и городской среды наиболее полно раскрывается её авторский метод. Художницу привлекают как конструктивистские ансамбли Свердловска 1930-х годов, так и самые простые, почти незаметные детали окружающего мира — вплоть до травы и подорожника под ногами. Это сочетание масштабного и камерного, архитектурного и бытового, городского и природного делает её художественный мир особенно живым и многослойным.

Манера исполнения Екатерины Дерун своеобразна и узнаваема с первого взгляда. Её картины строятся на ясной композиционной логике, но при этом не лишены лёгкости, внутренней свободы и тонкой авторской иронии. В них чувствуется уважение к художественной традиции авангарда, но нет стилизации ради стилизации: напротив, художница использует исторический пластический опыт как живой инструмент современного высказывания. Благодаря этому её произведения сохраняют связь с историей искусства и одновременно остаются современными по звучанию.

Сегодня Екатерина Дерун живёт и работает в Екатеринбурге. Её творчество занимает заметное место в культурной жизни города и продолжает развиваться как самостоятельное и цельное художественное явление. Биография художницы — это путь последовательного формирования авторского языка, в котором архитектурное мышление, живописная культура и индивидуальный взгляд на мир соединились в узнаваемый и выразительный стиль.

ЕЛЕНА НИКОЛАЕВНА ГОРДИЕВСКАЯ

Елена Николаевна Гордиевская — российский художник-акварелист, родилась и живёт в Москве. Её творческий путь связан с профессиональной художественной школой, вниманием к классическим основам изобразительного искусства и постоянным развитием авторской манеры в области акварельной живописи. Художница окончила Российский государственный художественно-промышленный университет имени С. Г. Строганова, что стало важной основой её профессионального становления и сформировало серьёзное отношение к художественной практике.

Елена Гордиевская является членом Союза акварелистов России, ТСХР, Международного акварельного общества IWS GLOBE и Международной академии современных искусств. Эти профессиональные объединения отражают её активную включённость в современный художественный процесс, участие в выставочной жизни и признание её творчества как в российской, так и в международной художественной среде.

В биографии художницы значительное место занимает выставочная деятельность. Елена Гордиевская — участник и призёр российских и международных выставок и конкурсов. Среди заметных проектов — участие в IV Международной ярмарке современного искусства ArtExpoSPb 2017. В 2018 году её работы были представлены на выставке китайско-российского искусства сотрудничества и обмена в Университете науки и техники Ляонин в Китае. В 2021 году художница участвовала в выставке Первой Профессиональной Онлайн-школы Восточной Живописи и Каллиграфии в Первой Московской Галерее Восточной Живописи. В 2024 году стала участником 5 Международного биеннале современной акварели в Крыму, в Алуште.

Среди профессиональных достижений художницы особое место занимает звание лауреата международного конкурса Art Excellence Awards 2024 в арт-проекте «Мир Видимый и Невидимый», где её произведение «Моя Ариша» было отмечено золотой медалью. В 2025 году работы Елены Гордиевской были представлены во Франции на INTERNATIONAL WATERCOLOR FESTIVAL — CERET FRANCE 2025, где она получила сертификат с отличием. Помимо этих событий, художница принимала участие и во многих других выставочных проектах в России и за рубежом.

Творчество Елены Гордиевской связано с техникой быстрой акварели a la prima, в которой особенно ярко раскрывается её стремление к свободе, спонтанности и живому дыханию цвета. Для художницы акварель — это не просто материал, а активная стихия, способная жить собственной жизнью на листе. В её работах краска свободно растекается, создаёт неожиданные переходы и рождает новые образы, сохраняя при этом ощущение реального мотива — цветка, портрета или пейзажа.

Особенность художественного метода Елены Гордиевской заключается в умении соединять наблюдение за реальностью с поэтическим преображением увиденного. Её произведения сохраняют узнаваемость натуры, но при этом наполняются атмосферой фантазии, лёгкости и внутреннего движения. В акварельных работах художницы важны не только форма и сюжет, но и сам процесс рождения образа — текучего, живого, наполненного воздухом и светом. Благодаря этому её живопись воспринимается как приглашение в мир творчества, где даже самый простой предмет способен раскрыться как нечто удивительное и прекрасное.

Биография Елены Гордиевской — это путь художника, последовательно развивающего своё мастерство, активно участвующего в международной художественной жизни и сохраняющего верность акварели как тончайшему и вместе с тем сложному языку современного искусства. Её творчество соединяет профессиональную школу, свободу акварельной импровизации и стремление увидеть в привычном мире особую красоту, доступную внимательному и чувствующему взгляду.

КАРТИНЫ
ДЕВОЧКА. НАЧАЛО ЗОЛОТОЙ ДОРОГИ

Наталья Бурлакова.

«Девочка. Начало золотой дороги»

В художественной практике нередко встречаются произведения, в которых личная история автора становится не просто контекстом, а самой тканью произведения. Картина Натальи Бурлаковой «Девочка. Начало золотой дороги» — именно такой случай. Это работа, соединяющая детскую вышивку, семейную память и позднее живописное переосмысление, превратившее личный предмет из прошлого в самостоятельное художественное высказывание.

Размер произведения — 58 × 70 см (диагональ 95 см), вес около 1,4 кг. Основа работы необычна: изначально изображение представляло собой вышивку нитками мулине на хлопковой ткани. Эта вышивка была выполнена художницей ещё в детстве по рисунку её матери. Впоследствии, спустя почти сорок лет, автор решила вернуть работе жизнь, переведя её из текстильного ремесла в область живописи. Ткань была приклеена к фанере клеем ПВА, затем покрыта грунтом и дополнена масляной живописью.

История создания произведения уходит в ранние годы автора. Ещё до начала школьного обучения мать научила её вышивать. Первой работой стала небольшая клубника, нарисованная матерью на ткани. Освоив простую технику, девочка получила новый рисунок — образ маленькой девочки с большим цветком за плечами. Этот образ и был воплощён в вышивке.

На юбке фигуры можно заметить характерный оранжевый лепесток с заметным перепадом фактуры. Это следы первых попыток освоить вышивку гладью. Художница вспоминает, что именно на этом участке она пробовала новую технику, но так и не смогла её полностью освоить. Этот фрагмент сохранился как своего рода документ обучения — след детского опыта, не исправленный и не скрытый.

Композиционно картина построена вокруг фигуры девочки, движущейся по светлой дороге. За её плечами — крупный цветок, который в первоначальной задумке матери символизировал жизненные трудности: печали, беды и испытания. Этот тяжёлый «букет» остаётся позади героини, словно груз прошлого.

Особый символический акцент в работе связан с лицом персонажа. Несмотря на детскую фигуру, лицо девочки художница сознательно наделяет чертами пожилой женщины — своего нынешнего возраста. Таким образом образ становится метафорой жизненного пути: ребёнок и взрослая женщина соединяются в одной фигуре, превращая картину в автобиографический символ.

Перед героиней открывается светлая дорога золотистого цвета. Этот путь в интерпретации автора означает начало новой жизни — жизни без прежних тревог и тяжёлых переживаний. Золотая дорога становится образом надежды, благополучия и внутреннего освобождения.

Визуально произведение сочетает наивную образность, характерную для народного или интуитивного искусства, с яркой декоративной цветовой палитрой. Пространство картины условно: зелёное поле, мягкое голубое небо и золотистая дорога образуют символический ландшафт, в котором главная роль принадлежит фигуре персонажа.

Таким образом «Девочка. Начало золотой дороги» можно рассматривать как художественную реконструкцию памяти. Работа объединяет несколько временных пластов — детство автора, материнский замысел и современное авторское осмысление прожитой жизни. Именно эта многослойность превращает личную историю в универсальный образ пути, на котором за спиной остаются испытания, а впереди открывается новая, светлая дорога.

КРЫСА В НАНАЙСКОМ ХАЛАТЕ

Наталья Бурлакова.

«Крыса в нанайском халате»

Картина Натальи Бурлаковой «Крыса в нанайском халате» представляет собой яркий пример авторского наивного искусства, в котором личная история создания произведения соединяется с этнографическими мотивами и народными представлениями о символике животных.

Размер произведения — 28,5 × 38,8 см (388 × 285 мм). Работа выполнена в смешанной технике и имеет сложную многослойную историю создания. Первоначально изображение было создано в 2006 году в виде декоративного панно из бересты и дерева. Этот ранний вариант стал основой для последующей живописной версии.

Идея и первоначальный эскиз принадлежат самой художнице. Позднее композиция была доработана и скорректирована её матерью, что подчёркивает характерную для творчества Бурлаковой семейную художественную традицию. В дальнейшем автор перенесла рисунок на ткань — двунитку, используя метод копирования через оконное стекло.

Следующим этапом стало создание вышитого контура. Все элементы композиции были вышиты нитками «ирис» из 100-процентного хлопка чёрного цвета. После завершения вышивки ткань была приклеена к фанерной основе клеем ПВА. Через несколько дней поверхность была покрыта готовым грунтом, предназначенным для холста, после чего изображение было дополнено масляной живописью. Лаковая защита на работе отсутствует.

Визуальный образ картины строится вокруг антропоморфной фигуры крысы, одетой в декоративный халат с орнаментами, напоминающими традиционные нанайские узоры. Контраст тёмной фигуры животного и светлого фона усиливает декоративность композиции, а яркие красные элементы орнамента придают образу выразительность и символическую насыщенность. В лапе персонаж держит плетёную корзину — деталь, усиливающую бытовой и одновременно фольклорный характер сцены.

Смысловой центр произведения связан с представлениями о крысе в нанайской традиции. В нанайском языке крыса называется «сингэрэ». Это слово связано с глаголом, который можно перевести как «насмехаться» или «издеваться». В народных представлениях это животное обладает особой способностью чувствовать судьбу человека — его будущее богатство или, наоборот, грядущую бедность.

Согласно этим поверьям, крыса способна заранее распознавать неблагоприятную судьбу и предупреждать о ней своими действиями. Считалось, что если крыса начинает портить вещи или одежду в доме, это может быть знаком будущих жизненных испытаний и потери благополучия. Напротив, дом, где царит устойчивое благосостояние, по народным представлениям, не привлекает подобных «предупреждений».

Народные рассказы также подчёркивают необыкновенный ум и изобретательность этих животных. В фольклоре крыса выступает как хитрое и находчивое существо: она может добывать пищу необычными способами и даже действовать сообща с другими крысами, демонстрируя удивительную смекалку.

В контексте картины этот образ приобретает двойственное значение. С одной стороны, крыса выступает как носитель древних поверий и символических предупреждений. С другой — её декоративный костюм и спокойная поза превращают персонажа в своеобразного хранителя домашнего благополучия.

Именно поэтому автор рекомендует размещать картину на кухне. По её замыслу изображение может служить символом достатка: стол в доме, где висит эта работа, «никогда не будет пустым».

Таким образом, «Крыса в нанайском халате» объединяет элементы фольклора, личной истории и декоративной живописи. Картина демонстрирует характерную для наивного искусства способность превращать бытовые и народные сюжеты в яркие символические образы, наполненные одновременно и иронией, и глубокой культурной памятью.

КОТЕНОК В КОРЗИНКЕ

Наталья Бурлакова.

«Котёнок в корзинке»

Работа Натальи Бурлаковой «Котёнок в корзинке» относится к числу произведений, в которых художественный образ соединён с личной семейной памятью. Картина представляет собой своеобразную реконструкцию предмета из детства автора и одновременно продолжение традиции домашнего рукоделия, характерной для многих семей второй половины XX века.

Произведение имеет круглую форму диаметром 45 см и весит около 562 граммов. Основой работы послужила хлопковая ткань с вышивкой, созданной в начале 1970-х годов. Изображение котёнка первоначально было нарисовано матерью художницы на белой ткани, после чего она же выполнила вышивку крестиком разноцветными нитками мулине.

Эта вышивка долгое время имела практическое назначение. В детстве у художницы был небольшой мягкий деревянный стульчик советского производства, сиденье которого было обтянуто тканью. Для него мать изготовила специальную накидку-сидушку с изображением котёнка в корзине, окружённого цветами. Таким образом декоративная вышивка стала частью повседневного домашнего быта и сопровождала детские годы автора.

Со временем ткань утратила первоначальную белизну. Желая сохранить дорогую семейную вещь, художница решила придать ей новую художественную форму. Вышивка была аккуратно закреплена на круглой фанерной основе с помощью клея ПВА. Затем поверхность покрыли готовым грунтом для живописи, после чего работа была дополнительно проработана краской в несколько слоёв. Благодаря этому старое декоративное изделие превратилось в самостоятельное произведение искусства, сохранившее память о прошлом.

Композиция картины проста и выразительна. В центре находится маленький котёнок, устроившийся в плетёной корзине среди ярких цветов и зелёных листьев. Тёплый бежевый фон усиливает декоративность изображения и создаёт ощущение уюта. Наивная стилистика, чёткие контуры и насыщенные цвета придают работе особую непосредственность и эмоциональную теплоту.

Помимо личных воспоминаний, автор связывает произведение с этнографическими сюжетами. В тексте, сопровождающем работу, художница обращается к представлениям о кошке в традиционной культуре нанайцев. В нанайском языке кошка называется «кэксэ». С этим животным в народной культуре связано множество поверий, касающихся поведения человека и его отношений с домашними животными.

Согласно этим представлениям, к кошкам следует относиться с уважением: их нельзя обижать или пинать, так как это может отразиться на судьбе человека и его семьи. Существуют и различные приметы, связанные с поведением кошек в доме — например, их привязанность к определённому месту или необычные повадки могут трактоваться как знаки, предвещающие изменения в жизни.

В традиционных верованиях также считалось, что кошки обладают особой чувствительностью к невидимому миру духов. Именно поэтому в народных рассказах им нередко приписываются мистические способности и особое знание о судьбе человека.

В связи с этими представлениями художница советует размещать изображение кошки в активных пространствах дома — например, в гостиной, рабочем кабинете или офисе. По её мнению, такие образы создают атмосферу тепла и уюта. В то же время она рекомендует не размещать изображения кошек в спальне, чтобы не нарушать гармонию домашнего пространства.

Таким образом, картина «Котёнок в корзинке» объединяет несколько смысловых пластов: личную память о детстве, семейную традицию рукоделия и элементы народных верований. Работа становится не только декоративным изображением, но и своеобразным символом домашнего тепла, связующим звеном между прошлым и настоящим.

ТУЗИК ИМПЕРАТОРА

Наталья Бурлакова.

«Тузик императора»

Картина Натальи Бурлаковой «Тузик императора» продолжает линию произведений художницы, в которых семейная память, традиции народной культуры и декоративная живопись соединяются в единое художественное высказывание. Работа основана на реальной истории из жизни семьи автора и одновременно опирается на представления нанайской культуры о роли животных в жизни человека.

Размер произведения — 71 × 58,2 см (диагональ 91,5 см), вес около 1,63 кг. Картина выполнена в смешанной технике с использованием ткани, вышивки и масляной живописи.

История образа уходит к более раннему произведению — декоративному панно, созданному в 2006 году из бересты и дерева. В работе над панно принимали участие несколько членов семьи: мать художницы Алевтина Афанасьевна, её брат Алексей Бурлаков и сама Наталья. Рисунок для композиции был создан матерью.

Прототипом изображения стала любимая собака брата художницы — мальтийская болонка по кличке Тузик. Щенок появился в семье, когда Алексей был совсем маленьким ребёнком, примерно трёх лет. Собака была необычайно маленькой — по воспоминаниям автора, она была меньше ладони ребёнка. Со временем Тузик вырос и долгие годы сопровождал мальчика повсюду, оставаясь его верным спутником.

В живописной версии образа художница использовала собственную авторскую технологию работы. Рисунок, созданный матерью, был перенесён на ткань двунитку с помощью трафарета. Для перевода изображения использовался простой метод — рисунок прикладывался к оконному стеклу, поверх него накладывалась ткань, после чего контуры переносились карандашом.

После этого все детали композиции были вышиты чёрной хлопковой нитью «ирис». Затем ткань закрепили на фанерной основе с помощью клея ПВА. Когда основа полностью высохла, поверхность покрыли готовым грунтом для живописи, а финальный этап работы был выполнен масляными красками.

Художница подчёркивает, что все её картины написаны кистями из натуральной щетины. Жёсткость такой кисти позволяет создавать более выразительную фактуру мазка и придаёт поверхности живописную плотность.

Композиция картины строится вокруг белой фигуры собаки, украшенной декоративными орнаментами. Золотистые и красочные элементы напоминают традиционные узоры народного декоративного искусства. На фоне глубокого синего цвета образ приобретает почти символическое звучание, превращая домашнее животное в своеобразный торжественный и даже монументальный персонаж. Именно поэтому в названии появляется ироничный оттенок — «Тузик императора».

В тексте, сопровождающем произведение, художница также обращается к нанайским народным представлениям о собаках. В нанайском языке собака называется «энда». В традиционной культуре народов Приамурья собаки наделялись особой чувствительностью к миру духов.

Считалось, что собаки способны видеть души умерших людей или злых духов — «амба». Если животное начинает лаять или беспокоиться без видимой причины, это может означать, что оно чувствует присутствие невидимых сущностей. В таких случаях собака как бы защищает дом, прогоняя злые силы.

В народных представлениях также существовали различные правила поведения человека по отношению к собаке. Например, считалось нежелательным позволять собаке пристально смотреть на человека во время еды. По поверьям, в таком случае животное может «забрать» жизненную силу человека, которую в нанайской традиции называют «сумул».

В связи с этими представлениями изображение собаки традиционно рекомендовалось размещать у входа в дом. Такой образ мог символически охранять жилище и защищать его от негативных сил.

Таким образом, картина «Тузик императора» объединяет несколько смысловых уровней: семейную историю, декоративное народное искусство и элементы традиционных верований. В результате личный образ любимого домашнего питомца превращается в символ защитника дома и хранителя семейной памяти.

СОВА ЛЕТИТ

Наталья Бурлакова.

«Сова летит»

Картина Натальи Бурлаковой «Сова летит» является продолжением серии произведений художницы, в которых соединяются семейная художественная традиция, декоративные мотивы народной культуры и личная авторская техника. Работа основана на рисунке, созданном матерью художницы — Алевтиной Афанасьевной Бурлаковой, и стала живописным развитием более раннего декоративного проекта.

Размер картины — 48,8 × 72 см (диагональ 87,3 см), вес около 2,08 кг. Произведение выполнено в смешанной технике с использованием вышивки, тканевой основы и масляной живописи.

История изображения начинается в 2006 году, когда семья художницы — мать, брат Алексей и сама Наталья — создали декоративное панно из дерева и бересты в национальных мотивах. Основой композиции стал рисунок совы с широко расправленными крыльями. Позднее этот образ был переосмыслен Натальей Бурлаковой в живописной форме.

Работа над картиной заняла около четырёх лет. На первом этапе автор перенесла рисунок матери на ткань двунитку, используя традиционный для неё способ — перевод изображения через оконное стекло. После этого контуры и основные элементы композиции были вышиты чёрной хлопковой нитью «ирис».

Затем вышитая ткань была закреплена на фанерной основе с помощью клея ПВА. Когда поверхность полностью высохла, художница нанесла готовый грунт для живописи, после чего завершила работу масляными красками. Такая техника, соединяющая вышивку и живопись, стала характерной особенностью многих произведений автора.

Композиция картины строится вокруг декоративного образа совы, изображённой в полёте. Широко раскрытые крылья создают ощущение движения и одновременно формируют симметричную орнаментальную структуру. Перья и элементы крыльев украшены яркими узорами, напоминающими традиционные орнаменты народного декоративного искусства.

Фигура птицы помещена на спокойный голубой фон, который усиливает контраст с насыщенными цветами орнамента. Благодаря этому образ совы выглядит одновременно динамичным и торжественным, почти символическим.

Художница отмечает, что точного значения образа совы в культуре народов Крайнего Севера она не успела узнать у своей матери. Однако известно, что сова традиционно воспринимается как хищная птица, охотящаяся на мелких животных и змей. По этой причине охотники нередко относятся к ней с уважением и не уничтожают её.

Отсутствие агрессивного отношения к человеку и природная роль совы как охотника на вредных животных делают её образ скорее нейтральным или даже благоприятным в бытовых представлениях. Поэтому, по мнению автора, изображение совы не имеет строгих ограничений в размещении в доме.

Картина «Сова летит» может быть размещена в любом пространстве интерьера — в гостиной, рабочем кабинете или другой части дома. Декоративная композиция и яркая орнаментальная стилистика позволяют ей органично вписываться в различные интерьерные решения.

Таким образом, произведение «Сова летит» объединяет личную память о семейном творчестве, декоративные традиции и индивидуальную художественную технику. Образ совы становится не только украшением композиции, но и символом природной силы и независимости, характерных для мира северной природы.

САД

Елена Гордиевская.

«Фантазия утреннего сада»

Работа Елены Гордиевской «Фантазия утреннего сада» относится к произведениям современной лирической абстракции, в которых художник стремится передать не столько конкретный пейзаж, сколько настроение и атмосферу природного момента. Картина выполнена в технике акварели и отличается тонкой игрой прозрачных цветовых слоёв.

Размер произведения — 50 × 70 см. Стартовая цена работы составляет 30 000 рублей.

Композиция построена на мягких, текучих переходах цвета. Акварельные пятна словно растворяются друг в друге, образуя многослойное пространство, где свет и цвет становятся главными выразительными средствами. Художница избегает жёстких контуров и чётких форм, позволяя зрителю самостоятельно достраивать образы и ассоциации.

В центре композиции угадывается условный образ сада, наполненного цветами, листьями и лёгкими силуэтами растений. Однако этот сад не является буквальным изображением природы — он скорее напоминает воспоминание или ощущение утреннего пробуждения мира. Мягкие оттенки зелёного, голубого и бирюзового перекликаются с розовыми и золотистыми акцентами, создавая впечатление солнечного света, пробивающегося сквозь листву.

Особое внимание привлекают золотистые вкрапления, которые оживляют цветовую поверхность и придают композиции ощущение внутреннего свечения. Эти элементы усиливают ощущение утреннего света — момента, когда природа только начинает раскрывать свои краски.

Акварельная техника позволяет художнице добиться эффекта лёгкости и воздушности. Полупрозрачные слои краски создают иллюзию глубины и движения, будто сад существует не в конкретном месте, а в пространстве воображения.

«Фантазия утреннего сада» приглашает зрителя замедлиться и всмотреться в тонкие нюансы цвета. Это картина-настроение, в которой важна не сюжетная линия, а эмоциональное переживание момента — тихого утреннего часа, когда мир ещё наполнен свежестью и мягким светом.

Произведение может органично вписаться как в современный интерьер, так и в пространство галереи или кабинета. Благодаря светлой цветовой гамме и спокойной композиции работа создаёт атмосферу лёгкости, гармонии и созерцания.

Таким образом, «Фантазия утреннего сада» становится не только живописным образом природы, но и поэтическим напоминанием о хрупкой красоте мгновения — той самой акварельной магии, которую художница стремится сохранить на бумаге.

ЗИМНИЙ ДЕНЬ

Елена Гордиевская.

«Зимний день»

Акварель Елены Гордиевской «Зимний день» — это тихое и созерцательное произведение, передающее состояние природы в один из спокойных зимних моментов. Художница обращается к лаконичному пейзажу, в котором главным становится не детальная прорисовка, а настроение пространства и света.

Размер работы — 54 × 36 см. Стартовая цена произведения составляет 30 000 рублей.

Композиция построена на широком панорамном взгляде на зимний пейзаж. Передний план занимает заснеженное поле, где из-под тонкого слоя снега пробиваются сухие травы и кустарники. Их тонкие силуэты создают графический ритм и добавляют живое дыхание в спокойную поверхность снежного пространства.

Горизонтальная линия делит композицию на две части: холодное зимнее поле и мягко освещённое небо. Небо написано в тёплых охристых и золотистых оттенках, что создаёт необычный эффект — зимний пейзаж наполнен не холодом, а мягким светом уходящего или только появляющегося солнца. Эта цветовая гармония придаёт работе особую атмосферу тишины и лёгкой задумчивости.

На дальнем плане можно заметить силуэт одинокого дерева или кустарника, который становится композиционным центром всей сцены. Его ветви словно растворяются в пространстве, подчеркивая ощущение широты и открытости зимнего ландшафта.

Акварельная техника позволяет художнице передать прозрачность воздуха и мягкие переходы цвета. Свободные, текучие мазки создают ощущение естественного движения облаков и лёгкой зимней дымки.

Несмотря на минимализм композиции, картина наполнена внутренней жизнью. Сухие травы, пробивающиеся сквозь снег, становятся символом стойкости природы и тихого продолжения жизни даже в период зимнего покоя.

«Зимний день» — это произведение о спокойствии и созерцании. Оно приглашает зрителя остановиться, почувствовать пространство и услышать ту особую тишину, которая бывает только зимой на открытых полях.

Благодаря мягкой цветовой гамме и спокойной композиции работа хорошо вписывается в интерьер жилых и рабочих пространств, создавая атмосферу уюта, сосредоточенности и внутреннего равновесия.

БУКЕТ